Bitácora de cine : Bafici 2017 Parte I

Por María Victoria Martín (Maky)

El festival de cine independiente e internacional de Buenos Aires, más reconocido como Bafici comenzó su edición número 19 oficialmente el jueves 20 de Abril, con diversas categorías. En la sección “Nocturna” se presentaron los cortos animados pertenecientes al equipo suizo (fundado en el 2002) Hélium Films, quienes dieron inicio a su programa (conteniendo once historias) con “Imposteur” (Impostor), dirigido por Elie Chapuis (2014) ,un maravilloso corto de animación que posee la atmósfera  de cine negro, cuenta la historia de un ciervo que decide usurpar no solo la cabeza de un sonriente desventurado hombre de familia, sino también la vida que este disfruta, en un espacio suburbano y obscuro alejado de toda realidad. La confrontación inevitable que sobrevendrá será  tal vez para beneficio del impostor o la víctima, es la gran incertidumbre del diminuto pero fascinante film. Una trama que combina ingeniosamente humor negro y atmósferas extrañas, usando la técnica de marionetas/muñecos de arcilla y stop motion, filmado en blanco y negro para deleite de los fervientes fans del film noir, acompañado de forma impecable por la música de Yan Volsy, con un final crudo y picante. En segundo corto denominado “ Un enfant commode”  (Un niño cómodo)  filmado por Cédric Louis (2013), nos topamos con  la desafortunada vida de un niño llamado Ludo que nació con un único problema, que no resulta ser su cajón en el ombligo, sino unos padres mezquinos, que no comprenden la poesía que inunda la vida de un niño ; con una técnica basada en el dibujo 2D se destaca un labor particular en el uso de la música y la narrativa del micro film. El programa se dispone a presentar su tercer cortometraje,  con “Monsieur l’assassin X” (Señor Asesino X) de la mano del dúo Lynn Devillaz y Antonio Veiras (2013). La película sigue la vida de una chica pequeña solitaria y con un aspecto extraño mientras se hace amiga del asesino serial del lugar. Criada por una madre desagradable y maltratada por los niños “bellos” del pueblo, encuentra consuelo en la compañía del asesino desnudo y amorfo, el cual aterroriza su ciudad natal. Una historia obscura de la amistad desarrollada desde un lugar inverosímil pero funcional, interpretada magistralmente desde el uso del stop-motion; un mundo único con diseños brillantes de carácter que se prestan perfectamente a esta historia macabra como un versión renovada de los cuentos de los hermanos Grimm. Para saber más acerca de la producción del cortometraje: https://vimeo.com/59402294

El cuarto cortometraje titulado “ Chambre 69” (Habitación 69) de Claude Barras (2012) comienza con un caballero que se detiene en un motel, y en la penumbra saca una enigmática caja del maletero y entra a la habitación 69, en la que le espera una noche inolvidable y con un final sorprendente.  Con su habitual y reluciente despliegue del uso de stop motion describe en minutos una original vuelta de tuerca que desconcierta y burla con sumo humor al espectador desprevenido.  “La fille et le chasseur” (La niña y el cazador) es un corto del 2010 (el quinto de la lista de los proyectados) dirigido por Jadwiga Kowalska, que resume la historia de un pueblo en problemas, una niña lo inunda con su llanto, y el cazador es el responsable de culminar con ese suplicio, el cual entre idas y vueltas se suma al estado lacrimógeno del la niña contagiando así al pueblo, quienes se suman y lagrimean. Una historia sobre la empatía y la estigmatización de los roles de los adultos, y del mismo modo la moraleja de que lo que parece resolverse no es más que el silencio del infortunio divino. Desarrollada con una sencilla pero exquisita animación en 2D, emociona y nos hace iluminar la mirada. El sexto cortometraje en stop motion con muñecos de plastilina (muy atractivos) dirigido por Cédric Louis y Claude Barras es :” Au pays des têtes” (La tierra de las cabezas) del año 2009. Trata acerca de Emile, un infeliz vampiro pequeño, haciendo un trabajo que detesta, en un mundo sumido en la penumbra perpetua. Sirve a una amante despótica que detesta las arrugas, de la manera más extrema. Allí hallará a su compinche musical alado e impartirá justicia a la mujer que tanta condena derrochó en ese pueblo maldito. Las imágenes se plantean con un acompañamiento musical brillante, y con ácidas cuotas de humor yuxtapuestas con una atmósfera literaria al estilo Poe teñida desde una voz que se asemeja a la figura de Tom Waits. En el séptimo corto presentado se encuentra “Sainte Barbe” (Santa Barba) de la mano nuevamente de Cédric Louis y Claude Barras, realizado en el 2007, comienza con imágenes de pura saturación y  alegres, que enseñan la complicidad de un niño pequeño y su abuelo repleto de barba, interrogando acerca de si el poder y la magia del cariño puede sobrevivir más allá de la muerte especialmente  por parte del niño quien se mantiene fiel al espíritu rebelde del anciano, y a pesar de atravesar por la funesta realidad de la perdida de este poético hombre de barbas negras, el niño completa el ciclo de la vida. Con un excelente manejo de la técnica, el corto emociona hasta los tuétanos.  “Le génie de la boite de raviolis” (El genio de la lata de ravioles), es el octavo cortometraje de este espléndido programa, dirigido por Claude Barras (2006), basado en el libro de Germano Zullo ilustrado por Albertine. Una fábula lúdica para recuperar el sueño y la felicidad. Con personajes de plastilina, acompañado del uso una paleta cromática muy atractiva y con la técnica del stop motion, desarrolla dicho corto un sentido del absurdo que trae frescura y ligereza. Armand trabaja en la fábrica de la línea de latas de los ravioles más famosas de su país . Vive en un dormitorio y al momento de abrir la lata de ravioles un día un genio surge de allí y le permite sólo dos deseos.  Frente a las oportunidades más atractivas y con un materialismo dialéctico confuso, Armand hace una elección muy simple: estar rodeado de naturaleza y una buena comida. En el momento de regresar a su lata el genio por el volumen de su cuerpo no puede ingresar, haciendo que Armand aproveche la oportunidad para tomar el poder de la palabra y compartir su tiempo con los deseos del genio. En el noveno lugar se encuentra “Banquise”, un cortometraje presentado en Cannes en el 2006 filmado por Cédric Louis y Claude Barras una lastimosa historia acerca de un niño que no pertenece a la realidad que experimenta, en una animación 2D y con escenas que conmocionan, el film representa de forma muy dramática el sueño de un niño.“Birdz”, el décimo corto, y el más extraño de este grupo de cortometrajes, dirigido por Emilien Davaud (2016), con una técnica muy peculiar trata sobre hombres con el aspecto y el comportamiento de las aves, tratando de sobrevivir en una naturaleza hostil. El último corto proyectado se titula “De terre et d’encre”  (Tierra y tinta”), dirigido por Jonathan Laskar (2013). Un trabajo experimental donde recorre la animación desde diversas perspectivas y la dualidad entre lo material y lo conceptual.

En la sección Artes, se encuentra el documental argentino “Acha acha, cucaracha: Cucaño ataca otra vez” dirigido por Mario Piazza. A través de un espléndido manejo de archivo (mediando fotografías y filmaciones), el documental  atraviesa por medio de testimonios la historia de una reconocida agrupación rosarina experimental (en el ámbito de la música y lo teatral) denominada  Cucaño, que se presentó en una atmósfera compleja de la historia argentina: durante el régimen dictatorial ( y persistiendo la religión católica en las provincias). Cucaño es la respuesta de unos jóvenes que manifiestan dentro un contexto sombrío y hermético de sociedad un grito revolucionario, una generación condicionada por las prácticas antidemocráticas de aquel momento donde entonan cantos que proclaman “Por qué nadie viene a tenderme una mano” , “Por qué estos vagones cargados de miedo y espanto”. Generando situaciones absurdas que rozan lo caótico sin embargo poseen como base una estructura ordenada (describen en sus testimonios, retratados fielmente por el director, la organización que se establecía previamente a toda acción artística). Todas su intervenciones tienen como principal medio la transmisión oral. Algunos de los integrantes que relatan las anécdotas (y se encontraban presentes en la proyección) son : El Marinero Turco, Carlos Ghioldi, Mariano Guzmán, Pandora (quien comentó al finalizar la proyección el esfuerzo que costó poder formar parte de un grupo mayoritario de hombres, quienes se negaban en un comienzo de la participación de las mujeres en la agrupación), José Luis Zapo Aguilera, Alejandro Palmerio, Gloria Rodríguez, Guillermo Yimi Ghioldi, Patricia Espinosa, entre otros.

La proyección culminó con el cordial bautismo de Piazza por parte de Cucaño gritando al únisono : ¡Acha acha cucaracha!”, expresión que hace referencia al estilo de vida que llevaban por aquel entonces, como cucarachas, el movimiento dentro de la obscuridad y la lucha por la supervivencia. La obra de Cucaño nos sobreviene en imágenes cuarenta años después de lo sucedido, dejándonos en claro aquella última frase certera de la canción con la que culmina el film: “hay que salir a ganar”. Y ganaron el efusivo aplauso de la sala.

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Mientras tanto en la sección de Cinefilias tenemos dos grandes caballos de batalla en la categoría de documental : “Spell Reel” y “Acqua e zucchero: Carlo Di Palma, i colori della vita”.

Spell Reel es un film dirigido por Filipa César, acerca del nacimiento del cine en Nueva Guinea. Entre imágenes de selva, y desde una mirada antropológica del cine, nos encontramos con todo un laboratorio de cine, y la participación del gen social en el desarrollo del mismo como parte fundante de la historia y la revolución frente a Portugal. El film posee una fuerte impronta en la comunicación de su protesta hacia la subordinación y la lucha por una educación artística para el resurgimiento de un nacionalismo que logre  impregnarse de forma concreta en la memoria colectiva y crezca. Se presentan discursos, y diálogos rigurosos acerca de la situación actual del país. Con un equipo moderno, otorgado por el  maestro de los documentales sociales con dosis irrefutablemente poéticas de la memoria y el devenir  de la imagen: Chris Marker (durante la filmación de Sans Soleil les entrega todo un equipo para renacer el cine olvidado de Guinea). Spell Reel trata al descubierto un tema imperante del nuevo siglo, ya tratado por Walter Benjamin : la importancia del cine como eje  político y revolucionario.

Al culminar  el film se aprecia la canción que la cantante sudafricana Miriam Makeba compuso para el presidente Luis Cabral del partido Partido Africano para la Independencia de Guinea y Cabo Verde (PAIGC), aquí puede escucharse un fragmento grabado durante la proyección con la alegre canción  :

https://www.youtube.com/watch?v=SwT0d4hBQ1E

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Del lado menos revolucionario se halla el documental “Acqua e zucchero: Carlo Di Palma, i colori della vita”  dirigida por Fariborz Kamkari,  y cuenta acerca de la vida del director de fotografía italiano: Carlo Di Palma, quién trabajó con “los grandes cineastas”, entre ellos : Roberto Rossellini, Bernardo Bertolucci, Michelangel Antonioni y Woody Allen. El documental se narra desde la mirada de la mujer de Di Palma, su interés por revivir la vida de este hombre que entre tanta sencillez que expresaba, se hallaba la complejidad del genio y su ojo, un ojo que comenzó como asistente de  Luchino Visconti en Obsesión (1943) hasta ser el director de fotografía de Michelangelo Antonioni y Woody Allen. Films en los que puso su ojo como :  Kapo (1960), Tiro al pichón (1961), La larga noche del 43 (1960),Divorcio a la italiana (1962),La Armada Brancaleone (1966)  y Amor mío ayúdame, (1969). Asimismo  en Drama de celos (1970), La tragedia de un hombre ridículo (1981), y El monstruo (1999). Sumando a su carrera su increíble labor en Desierto rojo (1964), Blow Up (1966) e Identificación de una mujer (1982). En cuanto a los testimonios presentados en el film por reconocidos directores y críticos de cine se destacan : Ettore Scola, Gillo Pontecorvo, Ken Loach, Wim Wenders,  Bernardo Bertolucci, Woody Allen, etc. Di palma iluminó al cine, con una riqueza audaz en la formalidad y en el valor de la imagen, obsequiando con su saber escenas de ensueño para la historia del cine universal. En un adiós colectivo saludan a Carlo los grandes directores y conocedores de cine del siglo XX frente a cámara, con la vista perdida pero emocionados, con los ojos iluminados, como aquellos que maravillosamente supo enseñarnos la maestría de Carlo di Palma en cada film en el que participó su brillante talento.

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En la sección de Artes se presenta como una gran opción el documental “Beuys” de Andres Veiel, que si bien no posee una intrínseca relación con Spell Reel, sí habla desde una mirada antropológica en relación a la trayectoria del artista alemán Joseph Beuys  en el campo político, y su vida a través de las diversas obras conceptuales ineludibles  para la esfera artística del siglo XX. Su frase “Todos pueden ser artistas” es refutada en múltiples entrevistas que se divisan en el archivo del film, intermitentemente, donde responde con certeza a las acusaciones: “No dije todos son pintores”. Sus obras franquean diversos lenguajes: la performance, la escultura, la palabra, la introducción de la naturaleza externa como espacio artístico, y finalmente la praxis política. Beuys mira a cámara con perspicacia y contesta, contesta con soltura sin desligarse de la severidad que su carácter infunde; sus obras enfrentan las críticas que censuran y reprueban todo intento y provocación hacia la actividad cultural de posguerra. Enfrentando sus ideales, y recorriendo estadios de producción, nos topamos con un Beuys desgastado por la realidad expresando su descontento: “No hay un desarrollo orgánico del Arte. No existe la posibilidad de discutir de Arte en el futuro”. Abatido, como un Don Quijote, dice nutrirse gastando energía, y confirma entre tanto no solo que plantará 7000 robles, sino que faltarán 2272 días para el fin del capitalismo. Beuys representa la grasa de la que tanto desdeñamos, un personaje entrañable, con fisuras físicas ocultas por un sombrero, y una mente no comprendida, no por un coyote que corroe con sus dientes los periódicos sensacionalistas en su instalación, o su ropaje, sino por una sociedad que no se modifica desde ningún lugar, y menos desde el Arte.

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En la sección de Vanguardia y Género nos encontramos con el cortometraje escandinavo “The absence of Eddy Table”, escrito y dirigido por Rune Spaans. El corto posee un labor maravilloso puesto que se produjo desde la animación computada sin uso aparente de muñecos de plastilina como podría pensarse, con un delicado empleo del uso de texturas, colores y volumen. Imágenes surrealistas y de ensueño inundan un corto con un aura obscura y exótica, recorriendo escenarios que intimidan. La trama es acerca de Eddy Table quien se topa con dos caras de la misma moneda del deseo : el amor y el miedo a lo desconocido, recorriendo escenarios ambiciosos y antagónicos, llevando un ritmo cambiante, con el aporte músical de Kaada.

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Y para finalizar la primera parte de la reseña, y como broche de oro de la selección, se encuentra en la sección de Noches Especiales el extraordinario film de Pablo Stigliani encabezado por Mike Amigorena e Iair Said como los protagonistas principales de: “Mario on tour”. El film trata acerca de un cantante que sin triunfar de manera “prodigiosa” en el ámbito de la música sale victorioso en su intento de alegrar fiestas (ya sean despedidas de solteros,casamientos, cumpleaños y demás) interpretando canciones de Sandro, acompañado por el esfuerzo de su compañero de ruta “El Oso”, quien debe responder en Mercado Libre por los servicios musicales prestados por Mario, y cumplir con las presentaciones para no recibir bajas calificaciones (y dinero, claro). Mario (Mike) en el film intenta reafirmar los lazos perdidos con su hijo, quien parece desconocer el valor de una charla amena y presenta solo atención a la pantalla luminosa del celular. La película transita toboganes emocionales muy bien tratados sin concretar el registro definitivo del drama o la comedia, mediando ese estado de inconformidad y disfrute. El film se realizó solo en seis semanas de filmación, y se estrenará en salas a mediados de Julio. Merece ser vista en salas, y cantada.

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